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Sean Scully: cuando la pintura encontró emoción en las líneas
El artista que convirtió franjas, bloques y muros de color en una pintura abstracta cargada de luz, memoria y sentimiento
Sean Scully nació en Dublín en 1945, pero creció en Londres. Hoy es uno de los nombres fundamentales de la abstracción contemporánea. Sus cuadros pueden parecer, a primera vista, construcciones geométricas formadas por líneas, franjas y grandes bloques de color. Sin embargo, detrás de esa aparente sencillez existe una pintura profundamente física y emocional.
Scully no busca que sus pinturas representen literalmente un paisaje, una persona o una escena. Sus muros de color, sus franjas y sus formas entrelazadas hablan de otra cosa: de la luz, del espacio, de la memoria, de la arquitectura y de la experiencia humana.
Su pintura demuestra que la abstracción no tiene por qué ser fría.
Puede tener peso, textura, silencio y emoción.
De Dublín al sur de Londres
Sean Scully nació en Dublín el 30 de junio de 1945. Cuando tenía cuatro años, su familia se trasladó a Londres, donde creció en un entorno obrero del sur de la ciudad.
Su camino hacia el arte no fue el de un joven criado en un ambiente artístico privilegiado.
Durante su adolescencia trabajó como aprendiz en una imprenta comercial. Allí aprendió composición tipográfica y entró en contacto con algo que terminaría siendo esencial en su obra: la relación entre forma, presión, espacio, luz y materia.
Al mismo tiempo comenzó su formación artística.
Estudió en la Central School of Art y posteriormente en el Croydon College of Art y en la Universidad de Newcastle. En sus primeros años se interesó por la pintura figurativa, pero poco a poco comenzó a alejarse de ella.
El descubrimiento de artistas como Mark Rothko y Bridget Riley, junto con su interés creciente por la abstracción, transformó su manera de entender la pintura.
Marruecos y el descubrimiento de la luz
En 1969 Scully viajó a Marruecos.
El viaje tendría una importancia considerable en su evolución artística.
La luz del norte de África, los muros, las superficies arquitectónicas y, especialmente, los tejidos y sus franjas de colores dejaron una huella profunda en el artista.
A partir de entonces, las líneas y bandas de color comenzaron a adquirir una presencia cada vez mayor en su pintura.
Pero no se trataba de copiar los tejidos marroquíes.
Scully estaba descubriendo que una estructura aparentemente sencilla —una franja junto a otra, un bloque sobre otro— podía generar ritmo, tensión y profundidad.
La geometría podía ser emocional.
Nueva York: abandonar la rigidez
En 1972 viajó por primera vez a Estados Unidos gracias a una beca de posgrado en Harvard. En 1975 regresó con una nueva beca y terminó instalándose en Nueva York. En 1983 obtuvo la ciudadanía estadounidense.
Nueva York fue decisiva.
Scully llegó en un momento en el que la pintura abstracta estadounidense tenía detrás varias décadas de enorme protagonismo. El expresionismo abstracto había transformado la idea misma de lo que podía ser un cuadro y el minimalismo había llevado la reducción formal todavía más lejos.
Scully se situó en medio de esas tradiciones, pero tomó otro camino.
Sus primeras composiciones podían ser muy rigurosas, próximas a estructuras geométricas. Sin embargo, durante la década de 1980 empezó a romper esa precisión.
Las líneas dejaron de parecer trazadas con regla.
Los bordes se volvieron irregulares.
La pintura comenzó a sobresalir de la estructura.
Los bloques parecían construidos, pero también desgastados.
El cuadro empezaba a mostrar que había sido pintado.
El gesto del artista volvía a ocupar un lugar fundamental.
El propio MoMA describe esta evolución como el paso desde formas geométricas hacia composiciones más abiertas y relajadas, en las que las formas siguen siendo reconocibles pero conservan el carácter físico de la pintura.
Geometría, pero sin frialdad
Aquí está probablemente una de las claves para entender a Sean Scully.
Sus cuadros están construidos con elementos sencillos:
líneas, rectángulos, cuadrados, franjas y bloques.
Pero no son matemáticas.
Una línea puede ser ligeramente irregular.
Un bloque puede invadir el espacio de otro.
Un color puede transparentarse bajo otro.
La pincelada puede dejar huellas.
La superficie puede acumular capas.
Por eso sus pinturas no tienen la perfección mecánica de una superficie industrial.
Scully quiere que podamos sentir que alguien ha estado allí pintando.
Su abstracción conserva la estructura, pero permite que aparezcan el accidente, la materia y la emoción.
La pintura como muro
Una de las series más conocidas de Scully es Wall of Light —«Muro de luz»—.
La serie comenzó en 1998 y continúa siendo uno de los grandes cuerpos de trabajo de su trayectoria. El Metropolitan Museum of Art señala que surgió de sus primeras experiencias en México durante los años ochenta, donde observó la relación entre la luz y las sombras sobre antiguos muros de piedra.
El título resulta especialmente revelador.
Scully no pinta literalmente una pared.
Construye una pared mediante pintura.
Bloques horizontales y verticales se superponen como si fueran grandes piezas arquitectónicas. Pero esas estructuras no parecen sólidas del todo. Los bordes se disuelven, las pinceladas quedan visibles y los colores se mezclan.
El resultado es una curiosa contradicción:
parece un muro, pero respira como un paisaje.
El Met ha descrito estas composiciones como estructuras de bloques que recuerdan una pared y que, al mismo tiempo, poseen una cualidad lírica.
México, la luz y la memoria
México tuvo una importancia especial en la evolución de Wall of Light.
Scully encontró allí una relación entre arquitectura, piedra, luz y sombra que podía trasladar al lenguaje abstracto.
Pero la serie no quedó vinculada únicamente a México.
Las pinturas fueron realizadas posteriormente en diferentes lugares, entre ellos Nueva York, Barcelona, Londres y el entorno rural de Múnich. El propio Metropolitan Museum señala que las diferencias de luz, estación y lugar influyeron en las variaciones de color de las obras.
Por eso un Wall of Light puede parecerse a otro y, al mismo tiempo, ser completamente diferente.
La estructura permanece.
La luz cambia.
El color como materia
En Scully el color no funciona simplemente para rellenar una forma.
El color tiene cuerpo.
El artista aplica capas de pintura, las modifica, las raspa y vuelve a trabajar sobre ellas. El resultado es una superficie en la que pueden convivir distintas tonalidades y rastros de las capas anteriores.
Un gris puede contener blanco, negro, azul o marrón.
Un naranja puede parecer luminoso en un lugar y oscuro en otro.
Un rojo puede convertirse en una superficie profunda en lugar de una simple mancha de color.
El cuadro adquiere así una especie de memoria propia.
Cada capa conserva algo de lo que hubo antes.
Entre Rothko y el minimalismo
La obra de Scully mantiene un diálogo permanente con la historia de la abstracción.
Hay algo del expresionismo abstracto en la importancia concedida al gesto y a la materia.
Hay algo del minimalismo en la reducción de las formas.
Y existe también una relación con la tradición europea de la pintura, con artistas que entendieron el color y la estructura como elementos capaces de producir una experiencia emocional.
Pero Scully no parece interesado en repetir ninguna de esas fórmulas.
Su objetivo es utilizar aquello que la abstracción ya conquistó para llevarlo hacia un territorio más humano.
Como explicó en una ocasión recogida por el MoMA, no pretendía volver a librar las antiguas batallas por la abstracción: quería utilizar esas conquistas para construir una pintura más abierta y confiada.
Cuando un cuadro se convierte en un lugar
Quizá por eso contemplar una obra de Scully resulta diferente de contemplar una simple composición geométrica.
Sus cuadros pueden producir la sensación de estar ante un espacio.
Un muro.
Una ventana.
Una fachada.
Un paisaje visto a través de la niebla.
Una construcción que recordamos sin saber exactamente dónde la vimos.
Y ahí aparece una de las grandes virtudes de su pintura:
no necesita representar algo para hacernos recordar algo.
La abstracción se convierte en experiencia.
La emoción detrás de las formas
Scully ha hablado repetidamente de la relación entre pintura, memoria y experiencia personal.
Su vida tampoco fue sencilla. Su infancia en Londres estuvo marcada por dificultades familiares y económicas, y posteriormente sufrió la muerte de su hijo Paul. Su biografía y sus declaraciones muestran hasta qué punto la experiencia personal y la pérdida han formado parte de su relación con la pintura.
Sin convertir cada cuadro en una autobiografía, resulta difícil ignorar esa dimensión cuando observamos su obra.
Sus estructuras parecen ordenadas.
Pero dentro de ellas existe tensión.
Los bloques no siempre encajan perfectamente.
Los colores pueden enfrentarse.
Las superficies pueden parecer heridas, erosionadas o reconstruidas.
Es una pintura que habla de construir y reconstruir.
Una abstracción que sigue viva
Sean Scully fue nominado al Turner Prize en 1989 y nuevamente en 1993. Su obra forma parte de importantes colecciones internacionales y ha sido expuesta ampliamente en Europa y Estados Unidos. El MoMA conserva numerosas obras suyas y el Metropolitan Museum organizó en 2006 una exposición dedicada a Wall of Light.
El Irish Museum of Modern Art también conserva un conjunto importante de obras del artista, entre ellas Once (1986), As Was (1993) y distintas piezas de la serie Wall of Light.
Su presencia en estas instituciones dice mucho de la importancia que ha adquirido su trabajo.
Pero quizá lo más interesante sea que su pintura sigue planteando una pregunta muy sencilla:
¿Cuánto puede decir una pintura sin representar absolutamente nada?
Scully responde con franjas, bloques, muros y colores.
Y después deja que sea el espectador quien termine el cuadro.
Pintar lo que no se puede explicar
Hay algo paradójico en la obra de Sean Scully.
Cuanto más sencilla parece, más difícil resulta explicarla.
Podemos describir sus cuadros.
Podemos hablar de geometría, color, textura, luz, arquitectura o abstracción.
Pero ninguna de esas palabras termina de explicar por qué una combinación de rectángulos puede producir melancolía, serenidad, tensión o incluso una sensación de recuerdo.
Quizá ahí esté precisamente el secreto.
Scully no intenta contarnos una historia.
Construye un espacio para que la historia aparezca dentro de nosotros.
Sus cuadros son muros que no separan.
Son estructuras que no pesan.
Son paisajes que no representan ningún lugar concreto.
Y son, sobre todo, una demostración de que la pintura abstracta todavía puede tener algo que decirnos.
Porque cuando todo parece reducido a líneas y cuadrados, Sean Scully consigue introducir algo que no puede medirse con una regla:
la emoción.
Por Sofía
Imagen portada: openai
Sean Scully: cuando la pintura encontró emoción en las líneas
El artista que convirtió franjas, bloques y muros de color en una pintura abstracta cargada de luz, memoria y sentimiento
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Sean Scully, uno de los grandes nombres de la abstracción contemporánea: su vida, sus bloques de color, la serie Wall of Light y una pintura construida con luz, memoria y emoción.
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