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Covid 19 en la sección de pintura Amor contra la muerte
La pandemia de 2020, Covid 19, permanecerá en la historia también gracias a la contribución de estilo del Certamen internacional, cuyos artistas se han unido para ilustrar este nefasto evento para toda la humanidad, a través de una herramienta altamente comunicativa; el catálogo virtual “AMOR contra la MUERTE” que fue creado para arreglar el dolor, la esperanza y la fuerza en el “imago” en un período apocalíptico para la humanidad.
A través de la “sección de pintura” del concurso de catálogos, rastreamos nuestro tiempo que repercute en el análisis crítico de las obras de Pasquale Viscuso, Mimmo Allegra, Nina Giunta, Chiara Romeo, Luigi Messina, Vincenzo Presenti.
Extractos de reseñas del catálogo Amore contro morte de la crítica de arte Melinda Miceli.
“El Maestro del abstraccionismo siciliano, Pasquale Viscuso nos muestra el Coronavirus a la luz de la modernidad tecnológica en la que vivimos, el efecto lógico de la globalización y el encarcelamiento que ha aumentado el uso de aplicaciones sociales y para conectar a la humanidad durante la cuarentena”.
La Tierra, reducida a un lugar imposible de vivir, parece rebelarse con una pandemia vivida en un estado de democracia suspendida donde todo parece antinatural y tecnológico en el horizonte del pensador. En esta perspectiva, Pasquale Viscuso revisita el arte a través de la lente de la ciencia y la tecnología para convertirse en “precursor” de una vanguardia artística tecnológica de la que pronto escucharemos mucho “.
“En el lienzo existencialista de Mimmo Allegra titulado” Solitario “, el hombre es el protagonista de una dimensión alegórica; representado en la ropa de oficina en desuso habitual, una corbata suelta y mangas dobladas, encerradas en las paredes domésticas, en el tiempo suspendido y bloqueado, por exorcice la expectativa de normalidad, juegue la referencia solitaria y simbólica al distanciamiento repentino, resaltado por la ausencia humana representada por la silla vacía.
Si bien todo está en juego, la autocertificación en la mesa representa la clave que puede justificar una salida de su prisión íntima y la superación de su propio miedo a la muerte y la enfermedad. La máscara facial y la autocertificación se convierten en este lienzo en dos “tótems” que indexan un período histórico, esos “pasaportes” indispensables para liberarse del contacto con el exterior “.
“En la obra” Regeneración “de Nina Giunta, la breve visión del mundo perenne de los Dioses y la proyección de un paisaje extático y ninfa parece insinuarse en el lienzo. La obra es una representación altamente espiritual de una espiritualidad secular en la que el alma humana busca comodidad, comparación y paz en la naturaleza vegetal.
Parecería una composición de Sophia, nacida de la misma Minerva. La calle tiene un simbolismo erótico, de pasión, sensualidad, belleza y fertilidad, además del significado de purificación asumido más tarde con el cristianismo. Por lo tanto, regresamos al mundo de Artemisa como un regalo del Intelecto Supremo que da la visión del sueño más allá de la materia, generando regeneración espiritual a través de la iniciación creativa innata “
“Chiara Romeo en su” Tesoro de la existencia “, pasando de la metafísica a la resolución, este arte se convierte en una manifestación perfecta del movimiento eterno de las formas geométricas sobre el que descansa el significado universal del panorama pandémico actual en el que interactúan los símbolos totémicos de protección. para manejar en un mundo sabio el equilibrio necesario entre las fuerzas de la luz y la oscuridad. Los restos de tableros de ajedrez se pueden encontrar en todo el mundo; en el piso de las ruinas de Pompeya, en los techos y paredes de iglesias y mezquitas decoradas en blanco y negro. En la era moderna, el tablero de ajedrez aparece regularmente en las entradas de los edificios de las instituciones de los templos masónicos y en los lugares de reunión del Nuevo Orden Mundial “.
Cav. Messina subyace a los mensajes éticos al amar la descripción figurativa de cosas familiares de descifrabilidad estupenda, de las cuales espera un retorno indispensable a la vida. Por lo tanto, mientras el mundo está suspendido en una realidad materialista y marcial engañosa, su lirismo hace que el aparato sensible lea, en una representación emocional sensible de los sujetos: objetos, que yacen en la superficie de soporte que, en su naturaleza íntima, implementan la maravillosa capacidad de poetiza lo cotidiano. En la naturaleza muerta, “Uvas y granadas”, efigie poética y sin sangre, imbuida de atmósferas nobles y mediterráneas, revivida a través del filtro del más alto siciliano, interpreta los dictados de un figurativo tradicional en total adhesión a la armonía estilística clásica. Las esencias diarias pero simbólicas y espirituales se revelan en su lienzo entrelazadas con combinaciones de elementos a veces suspendidas como uvas. La presencia de la uva que siempre ha tenido profundos significados, aquí surge como un símbolo de bienestar, fructificación y bendición. El vino se considera un símbolo de bendición divina ya que el primer milagro realizado por Jesús en la boda de Caná fue la transformación del agua en vino, un signo del poder de Dios.
“Retrato de un niño” del arquitecto Vincenzo Presenti no solo la reproducción de una fisionomía o el análisis de un personaje, sino la instantánea de un ser humano en un marco familiar o social, rodeado de cuánto y cuántos afectan su vida . Rehuyendo actitudes superficiales, vuelve a representar un mundo puro con una mirada consciente. Investigando con la mirada técnica la emotividad de la figuración del sujeto, el trabajo perturba y fascina, fijándose indeleblemente en la memoria hasta el más mínimo detalle de la cara. El fondo también representa el sombrío contexto global de incógnitas reales y tecnológicas en las que se inserta al joven y del que emerge con una actitud segura pero reflexiva, a la manera de una figura romántica e impresionista “.
“En” Simbología de un jarrón de la libertad “de Gianna Eterno, el espíritu de la naturaleza está presente en todas partes y se eleva en el lienzo como un estado de conciencia elevada, adquiere un valor inmenso. del jarrón, un símbolo de plenitud y perfección. La transformación puede tener lugar porque ciertas energías o impurezas se dejan libres para separarse y disiparse para tomar vuelo y caer del cielo de nuestro mundo interior. La fragilidad del jarrón se conoce como receptividad, interioridad y oblatividad. La obra alude al misterio de existir en un cuerpo, un lugar en el que la vida está encerrada y circula para que, a su vez, pueda ofrecerse “.
Dra. Melinda Miceli crítica de arte
